“For each object, as for each picture in an art gallery, there is an optimum distance from which it requires to be seen, a direction viewed from which it vouchsafes most of itself: at a shorter or greater distance we have merely a perception blurred through excess or deficiency.”[1]
Annaïk Lou Pitteloud’s practice is characterized by sober interventions through which she questions and thwarts the systems of representation and the norms that determine the social uses of spaces. While paying particular attention to institutional frameworks, her work often probes the gaps between language and object, between the perceptual phenomenon and mental projection. Elements drawn from established systems of measurement, relationships of proportions and other formats are subjected to transpositional[2] procedures that give rise to meaning-making inadequacies and narrative reverberations.
For her first personal exhibition in Brussels, Annaïk Lou Pitteloud presents Long Distance, a site-specificexhibition which brings into play the notions of time and space, playing on physical scales, as much as inscribing itself to the implicit reference and questioning the legacy of an artistic figure. Based on the status and particular physicality of The Pool, it reflects on the value and the relationship that binds the artist to his or her production, while wondering what remains of this intimacy beyond the public transfer of the work - if such fidelity ever existed. Initially scheduled for the end of April to mid-May to coincide with the Art Brussels fair, the exhibition was postponed during the summer, in accordance with health measures. Without modifying the contents, this project has in the meantime seen its meaning influenced by the context we are living in and which reaffirms its purpose. With a large part of social life being put under the bell, communication tools become the relay for human relations that are subjugated to isolation and distance, whereas in art, they provide platforms for relocation, reducing it to issues of visibility and distribution, leaving more than ever the power relations linked to artistic work and production in the shadow.
Long Distance takes as a starting point a sculpture entitled Call-Artist (Model for an Arm Extension) created in 2015, consisting of a chair and a telephone, the design of which is based on an architectural model originally produced at 1:50. Transposed to life-size, the chair and telephone become a utilitarian simulacrum seemingly straight out of a pop painting or a cartoon. The title of this ensemble refers to a joke by Ad Reinhardt (cf. invitation card) which makes a mockery of the stages of an artist's career, in particular by addressing the state of availability that seem to be inherent to this profession.
The work is re-articulated in an installation that is combined with a second piece, Model for an Extension (Artist on Hold), a 1:50 scale model of the space that puts the exhibition ‘en abyme’. The ambiguity this time lies in the status of this model, a working object that has become a portable exhibition, and in the space represented, an alternative place devoted to a temporary function, frozen in this miniature that already seems to provide a material memory of it. As the cross-referenced titles between the two works indicate, a narrative game is established through the elements and their temporality in a back-and-forth movement between model, reference model and transposition to real size. Long Distance thus intends to model the irony of a condition, that of the artist faced with the notion of success and its waiting time, and to take an oblique look at the network of dependencies that determine its access and durability. The installation delimits a scene within the scene, a scene that is vacant and yet open to an action in progress; on a suspended duration between different proportionally connected spaces. The spectators occupy a position in balance, at the same time participating subjects and objects absent from their observation. And while the spatial embedding follows the trajectory of the meaning that reshapes it, the relationship of the body to space joins the thought of time, its plural entries, and the crossings and reboundings between forms, but also the revealing detours that occur almost by surprise, as if under the effect of après-coup.
Pauline Hatzigeorgiou
Annaïk Lou Pitteloud (*1980) is a Swiss artist who lives and works between Brussels and Bern. She has participated in international exhibitions (Riboca1/Riga Biennale, LV; Kunstverein, München, DE; Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, CH; Kunstmuseum St. Gallen, CH; Museo cantonale d'Arte Lugno, CH; Kunsthalle Bern, CH; Witte de With Rotterdam, NL; Moscow Biennale, UK; Shanghai Biennale, CN, among others). She has won several prizes and public calls, including one from the Swiss Parliament for which she has created a permanent installation, Consensus (2018), which weaves a network of material and allusive concordances between the semantics of political exercise and economic exchanges. Annaïk Lou Pitteloud is represented by Galerie Barbara Seiler, Zürich. https://www.annaikloupitteloud.com/
[1] M. Merleau-Ponty, Phénoménologie de la perception, Paris, Gallimard, 1945, p.349
[2] See the work of Annaïk Lou Pitteloud Transposition (2012-2019) placed in the public space of Ixelles, on one of the concrete benches of the rue de la Tulipe, at n°33.
(c) Silvia Cappelari
Call-Artist
(Model for an Arm Extension) 2015
Architectural
models at 1:50 scale enlarged to 1:1 scale, lacquered MDF and wood
Approx. 90
x 45 x 115 cm
Model for
an Extension (Artist on Hold) 2020
Model at
1:50 scale, birch wood, glue, filler, lack, acrylic paint, metal, paper, architectural models of a chair and telephone
Approx.
5.8 x 10.9 x 15 cm
Exhibition flyer based on a joke by Ad Reinhardt found in Art as Art: The Selected Writings of Ad Reinhardt, (ed.Barbara Rose), University of California Press, Berkeley and Los Angeles, 1991
« Pour chaque objet comme pour chaque tableau dans une galerie de peinture, il y a une distance optimale d’où il demande à être vu, une orientation sous laquelle il donne davantage de lui-même: en deçà et au-delà nous n’avons qu’une perception confuse par excès ou par défaut.»[1]
La pratique d’Annaïk Lou Pitteloud se caractérise par des interventions très sobres à travers lesquelles elle interroge et déjoue les systèmes de représentations et les normes qui déterminent les usages sociaux des espaces. Tout en portant une attention particulière aux cadres institutionnels, il est souvent question dans son travail, de sonder les écarts entre langage et objet, entre le phénomène perceptif et la projection mentale. Des éléments puisés dans des systèmes de mesures, des relations de proportions et autres formats établis, se voient soumis à des procédures de transposition[2] faisant émerger des inadéquations porteuses de sens et des réverbérations narratives.
Pour sa première exposition personnelle à Bruxelles, Annaïk Lou Pitteloud présente Long Distance, une expositionsite-spécifique faisant intervenir les notions de temps et d’espace qu’évoque ce titre, pour jouer sur les échelles physiques et s’inscrire dans le temps long d’une référence implicite à une figure dont elle interroge l’héritage. Partant du statut et de la physicalité particulière de The Pool, elle y mène une réflexion sur la valeur et la relation qui lie l’artiste à sa production, en se demandant ce qu’il reste de cette intimité au-delà de la cession publique de l’œuvre – si tant est qu’une telle fidélité n'ait jamais existé. Initialement programmée de la fin du mois d’avril à la mi-mai pour croiser le temps d’un week-end la foire Art Brussels, l’exposition a été postposée dans le courant de l’été, en accord avec les mesures sanitaires. Sans que les contenus n’aient été modifiés, ce projet aura entre-temps vu son sens influencé par le contexte que nous vivons et qui finalement en réaffirme le propos. Avec la mise sous cloche d’une grande partie de la vie sociale, les outils de communication se font le relais de relations humaines malmenées par la distance, alors qu’à l’art, ils fournissent des plateformes où se relocaliser, le réduisant néanmoins aux enjeux de visibilité et de distribution, laissant plus que jamais les rapports de force liés au travail artistique et à sa production dans l’ombre des résultats.
Long Distance prend pour point de départ une sculpture intitulée Call-Artist (Model for an Arm Extension) réalisée en 2015, composée d’une chaise et d’un téléphone dont le design est basé sur une maquette architecturale originellement produite au 1 : 50. Transposés en taille réelle, chaise et téléphone deviennent un simulacre utilitaire semblant tout droit sorti d’un tableau pop ou d’un cartoon. Le titre de cet ensemble fait référence à une blague d’Ad Reinhardt (cf. carton d’invitation) qui tourne en dérision les étapes de la carrière de l’artiste, en adressant notamment l’état de disponibilité semblant devoir être inhérent à ce métier. Ici, cette première œuvre se voit réarticulée dans une installation qui l’associe à une seconde pièce, Model for an Extension (Artist on Hold), une maquette de l’espace au 1 : 50 mettant l’exposition en abyme. L’ambiguïté tient cette fois du statut de cette maquette, objet de travail devenu exposition portative, et de l’espace représenté, un lieu alternatif voué à un fonctionnement temporaire, figé dans cette miniature qui semble déjà en donner une mémoire matérielle. Comme l’indiquent les titres formés de renvois croisés entre les deux œuvres, un jeu narratif s’établit entre les éléments et leur temporalité dans un mouvement de va-et-viententre maquette, modèle de référence et transposition en taille réelle. Long Distance entend ainsi modéliser l’ironie d’une condition, celle de l’artiste face à la notion de succès et son délai d’attente, et porter un regard oblique sur le réseau de dépendances qui déterminent son accès et sa pérennité. L’exposition délimite ainsi une scène dans la scène, une scène vacante et pourtant ouverte sur une action en cours ; sur une durée suspendue entre différents espaces proportionnellement connectés. Les spectateurs et spectatrices y occupent une position en balance, tout à la fois sujets participants et objets absents de leur observation. Et tandis que l’enchâssement spatial suit la trajectoire du sens qui s’y remanie, le rapport du corps à l’espace rejoint la pensée du temps, ses entrées plurielles, les croisements et rebonds entre des formes, mais aussi les détours révélateurs advenus presque par surprise, comme sous l’effet de l’après-coup.
Pauline Hatzigeorgiou
Annaïk Lou Pitteloud (*1980) est une artiste suisse qui vit et travaille entre Bruxelles et Berne. Elle a participé à des expositions internationales (Riboca1/Biennale de Riga, LV; Kunstverein, München, DE; Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, CH; Kunstmuseum St. Gallen, CH; Museo cantonale d’Arte Lugno, CH; Kunsthalle Bern, CH; Witte de With Rotterdam, NL; Biennale de Moscou, RU; Biennale de Shanghai, CN, entre autres). Elle a été lauréate de plusieurs prix et d’appels publics, notamment celui du Parlement suisse pour lequel elle a réalisé une installation permanente, Consensus(2018), qui tisse un réseau de concordances matérielles et allusives entre la sémantique de l'exercice politique et les échanges économiques. Elle est représentée par la galerie Barbara Seiler, Zürich. https://www.annaikloupitteloud.com/
[1] M. Merleau-Ponty, Phénoménologie de la perception, Paris, Gallimard, 1945, p.349
[2] Voir à cet égard l’œuvre d’Annaïk Lou Pitteloud Transposition (2012-2019) installée dans l’espace public à Ixelles, sur l’une des structures en béton de la rue de la Tulipe, à hauteur du n°33.